Вы не увидите его на сцене во время спектакля. Вы можете понятия не иметь как он выглядит. Он редко бывает на виду в принципе. Однако повсюду в театре, зримо или незримо, присутствует его фигура. И именно он в большей степени влияет на то, какое впечатление у вас сложится о постановке – выйдете вы из театра воодушевлённым или подавленным, весёлым или задумчивым, восторженным или разочарованным. Речь, конечно, о человеке номер один в театре – режиссёре.
Кажется, что ничего сложного – это человек, который управляет творческими процессами в театре, в первую очередь во время осуществления постановки спектакля, но и потом, даже когда сыгран не один спектакль. Не верьте режиссёрам, которые говорят, что “отпускают” своё детище в свободное плавание – они лукавят. Зачастую именно благодаря их неустанному контролю спектакль продолжает держать форму, в которой он впервые был представлен на суд зрителя.
Другими словами, режиссёр стоит во главе создания всех разновидностей театрального искусства – драмы, оперы, оперетты, мюзикла, кукольной постановки.
Одна из главных функций театрального режиссёра – выдать собственную оригинальную трактовку произведения, взятого к постановке. Это может быть не только театральная пьеса. Порой в основу будущего спектакля ложится роман, повесть, поэма, рассказ или даже стихотворение, а бывает и такое, что спектакль ставится по мотивам кинокартины или даже мультфильма. Это и есть задача режиссёра и его суперсила – способность интерпретировать известное или не очень произведение и дать ему новую сценическую жизнь посредством взаимодействия со сценографом, хореографом-постановщиком, художником по костюмам, композитором и другими представителями творческой команды спектакля. И, конечно, актёрами.
Евгений Писарев
В режиссуре, как и в любой другой творческой профессии, есть приверженцы классической традиции, которые пользуются наработанными практиками, заветами великих режиссёров прошлого. А есть великие фантазёры, неутомимые экспериментаторы, творчество которых сначала не всегда понятно, но именно они двигают театральное искусство вперёд, вершат его историю. И у первых, и у вторых есть свои поклонники и противники. В случае с “классикой жанра” зритель получает гарантированно понятную, академическую и в целом старомодную постановку, что абсолютно не значит, что она плохая или не трогающая струны души современного человека. Зато новаторский театр даже при помощи классических литературных шедевров умудряется высказываться на злобу дня, способен не только глубоко погрузить в исследуемую тему, но и нырнуть в такие глубины психологии, которые не открываются на иных сессиях психотерапии. Нам кажется, что оба приёма – и академический театр, и так называемая “новая драма” – нужны и важны в общем театральном поле, а главным мерилом для них является качество. Которое в первую очередь определяется именно талантом и вкусом режиссёра. Грубо говоря, есть хороший спектакль, а есть плохой – и неважно, поставлен он по традиционным лекалам или с использованием авангардных приёмов.
Что касается музыкального театра, то в прошлом считалось, что в нём роль режиссёра не так заметна, как в драматическом. Мол, в балете постановка ложится в первую очередь на плечи балетмейстера, в опере – на главного дирижёра, мюзикле – на автора либретто и музыкального руководителя. Но сегодня фигура режиссёра в театре, какой бы спектакль ни ставился, вышла на передний план – разумеется, он работает в крепкой связке со всеми вышеназванными представителями творческой группы, которые помогают воплотить в жизнь его идеи.
Сегодня деление театров на классические и современные весьма поверхностно и условно. Даже в театрах, в названиях которых присутствует слово “академический” (тот же Большой) режиссёры нередко обращаются к прогрессивным практикам и даже эксперименту. И наоборот – в относительно современных театрах, которые “исповедуют” в большей степени подходы “новой драмы”, есть постановки, тяготеющие к классической традиции.
Классический театр, как правило, настаивает на строгом соответствии спектакля первоисточнику. Помимо четкого и точного следования литературной основе, режиссёры этих спектаклей особое внимание уделяют воспроизведению исторических реалий времени, в котором происходят описанные события. Порой реквизит и костюмы в подобных постановках походят на музейные экспонаты, филигранно их копируя.
Так называемые “современные театры” считаются островками свободы, в которых режиссёру позволено самовыражаться в соответствии с его личным пониманием текста, предлагать трактовки, нередко провоцирующие споры среди критиков и зрителей, – и в соответствии с ними выбирать визуальные решения, основанные на ультрасовременных технологиях.
А есть театры, что в своих изысканиях пошли ещё дальше. Скажем, в театральных премиях для них выделили номинации в отдельном направлении “эксперимент”. Часто экспериментальные постановки абсолютно отвергают академизм и лежат, скорее, в плоскости современного искусства, инсталляции и перформанса и легко становятся объектами разных художественных пространств. Для режиссёров-экспериментаторов нет правил и границ, они могут не только лишить актёров сцены, а зрителей привычных кресел, но и в принципе обходиться и без тех, и без других.
Что касается театров национальных, то они в первую очередь работают с традиционным искусством определённых регионов и национальностей, используя в своих постановках аутентичные приметы культур разных народов, глубоко проникают в их фольклорное наследие. Но даже здесь находится место не только творческому поиску, но и новаторству и эксперименту: зачастую традиции более выпукло и понятно выглядят именно в каком-нибудь современном технологичном обрамлении – на контрасте с ним.
Режиссура и роль режиссера, какими мы их знаем сегодня, начали складываться только ближе к концу XIX века. При этом название профессия обрела много раньше. В России термин ввела ещё императрица Елизавета – после того, как в 1742 г. к ней пожаловала театральная труппа из Франции – до того в русском театре постановщика называли ”директором”.
В различных формах режиссура, под которой подразумевалось именно искусство постановки, существовала ещё в Античности. В Древней Греции режиссёром или, как его называли, дидаскалом (т.е. учителем), например, зачастую был драматург. Во времена Ренессанса драматург тоже был руководителем труппы, но иногда им становился ведущий актёр (который порой и пьесы писал). В XV веке, когда в особенном почёте была пышность постановки, её визуальная роскошь, правили бал декораторы, художники и архитекторы. Но к классицизму (XVII-XVIII вв) главенствующую роль снова отвели автору пьес, который сам занимался их постановкой. С середины XVIII века труппу возглавлял ведущий актёр, он же, как правило, руководил и постановочным процессом. Датой основания русского драматического театра считается 30 августа 1756 года – и руководил им драматург А. П. Сумароков, а после его ухода с этой должности, бразды правления брали в свои руки опять же актёры. А иногда и суфлёры!
А.П. Сумароков, источник: Культура.РФ
Первыми профессиональными режиссёрами, которые попытались «наладить» взаимодействие постановки спектакля, актёрского труда с технической и визуальной частью стали англичанин Кин и немец Лаубе – было это в середине XIX века. Чарльз Кин в своих масштабных спектаклях развивал так называемую «зрелищную режиссуру» с её пышностью и впечатляющими массовыми сценами, а Генрих Лаубе был апологетом режиссуры разговорной: его постановки отличались совершенной речью и виртуозной слаженностью актерских ансамблей. Принципы подчинённости всех творческих процессов одной идее, трепетного отношения к авторскому тексту, а также визуальной достоверности были сформированы в конце XIX века Людвигом Кронеком (Пруссия), Андре Антуаном (Франция) и Отто Брамом (Германия). И это стало настоящей театральной революцией. Таким образом режиссёром мог стать только всесторонне образованный человек с широким кругозором, знающий историю, разбирающийся в искусствах и чувствующий свою эпоху. Исследователи театра во Франции днём рождения режиссуры называют 30 марта 1887 года – день, когда Андре Антуант открыл свой «Свободный театр».
В России режиссерская должность “легализовалась” и закрепилась в театральных штатах только в XIX веке. Однако постановщиками спектаклей могли выступать писатели-драматурги, те же Гоголь и Островского, а также художники: яркий пример, – сценограф, академик и профессор декорационной живописи Императорской Академии художеств Матвей Шишков.
В XX веке история театральной режиссуры в России была чрезвычайно богатой. В этот период российская сцена явила миру множество талантливых режиссеров, которые внесли значительный вклад в развитие театрального искусства.
Одним из ключевых событий в истории режиссуры в России стало создание Московского художественного театра (МХАТ) Константина Станиславского и Владимира Немировича-Данченко в 1898 году. Этот театр стал центром инноваций и местом притяжения многих выдающихся режиссеров. Критик и литератор Анатолий Луначарский назвал этот период "золотым веком режиссуры в России".
Константин Станиславский, источник: Культура.РФ
Одна из важнейших фигур того времени – Всеволод Мейерхольд, который экспериментировал с элементами экспрессионизма, монтажа и кубизма в своих постановках, став одним из видных представителей русского авангарда. Другой выдающийся режиссер – Евгений Вахтангов. Он славился своими оригинальными и яркими постановками, в которых активно использовал пластический язык, став в некоторой мере прародителем современного физического театра.
Интересно, как сложились взаимоотношения режиссеров и актеров в рамках режиссерского театра. У каждого из них был собственный подход. Анатолий Эфрос, сосредоточиваясь на каждой актёрской индивидуальности, старался объединить их и выдать единое выдающееся, ни на что не похожее полотно, единое в уникальности каждого своего “компонента”. Георгий Товстоногов, представитель эпического искусства, также особое внимание уделяя игре каждого актера, создавал такие условия, чтобы они полностью раскрывали свой потенциал в рамках грандиозной структуры. Юрий Любимов, известный особой щепетильностью в выстраивании рисунка спектакля и четкостью исполнения своей режиссерской концепции в то же время, как ни странно, предоставлял своим актерам свободу самовыражения и нередко поощрял импровизацию.
Как мы выяснили, театральная режиссура как отдельный род деятельности появилась довольно поздно – если сравнивать с тем же актёрством. Бурный рост программ профессиональной подготовки в направлении режиссуры начался только в 50-х годах XX века. Сегодня большинство стран Европы предлагают различные формы обучения – это могут быть специализированные драматические школы, отделения и факультеты в консерваториях, университетах и других высших учебных заведениях. В Великобритании, например, театральные режиссеры традиционно проходят курсы повышения квалификации по сопутствующим дисциплинам в университете Оксбридж – как правило, они выбирают английскую литературу. В США престижной и плодовитой является режиссерская программа Школы драмы Йеля: отсюда выпускаются режиссёры – новаторы со степенями DFA (доктор изящных искусств) и MFA в области драмы.
Школа драмы Йеля, источник: OnStage Blog
Общим местом во всём мире является, когда театральные режиссёры не имеют специального образования, приходят в театр вообще из других профессий и получают все свои компетенции опытным путём. В том же Соединённом Королевстве с целью вырастить настоящего профессионала театры нанимают молодых людей, делающих первые шаги в мире искусства, в качестве стажеров-помощников. Королевский национальный театр в Лондоне периодически набирает талантливых слушателей на непродолжительные курсы, а вест-эндские театры «Оранжевое дерево» и «Донмар» берут помощников режиссера сроком на один год – также с прицелом на то, чтобы они на деле обучились профессиональным навыкам.
Образование театрального режиссера в России позволяет молодым талантам раскрыть свой творческий потенциал, получить необходимые знания и навыки, а также внести свой вклад в развитие театрального искусства страны. В России существует несколько престижных учебных заведений, где молодые таланты могут получить высшее образование в области театральной режиссуры и развивать свои творческие способности.
Одним из самых известных учебных заведений в области театра является ГИТИС. Его учебные подразделения находятся в Москве, Санкт-Петербурге, и Казани. На факультете режиссуры и драматургии обучение ведется на протяжении нескольких лет, где студенты получают теоретические знания, применяют их на практике и развивают свои постановочные навыки под руководством опытных преподавателей и мастеров. Не менее легендарными считаются и московские Театральный институт имени Бориса Щукина (“Щука”), Щепкинское театральное училище, а также Российский государственный институт сценических искусств в Питере. Отдельно стоит отметить Московскую государственную консерваторию имени П.И. Чайковского, где есть факультеты музыкальной и оперной режиссуры. Здесь студенты обучаются искусству постановки оперных и музыкальных произведений, разрабатывают концепции спектаклей и осуществляют их постановки.
Стоит отметить, что не всегда профессиональное образование ведёт к непременному успеху в выбранной сфере деятельности и наоборот, талантливые самоучки добиваются больших результатов – и режиссёрская стезя в этом смысле не исключение. У постановщика мюзикла Театра МДМ (компания «Бродвей Москва») «Ничего не бойся, я с тобой» Михаила Миронова нет специального образования. Более того, изначально он окончил факультет строительных и дорожных машин Сибирского государственного университета путей сообщения, и лишь потом поступил на актёрское отделение Школы-студии МХАТ, ещё во время учёбы в которой он стал помощником режиссёра в МХТ им. А.П. Чехова и стал развиваться в этом направлении. Позже в качестве режиссёра он выступал в телешоу «Вечерний Ургант», работал над постановками на разных театральных площадках, но спектакль в МДМ, пожалуй, стал его первым опытом работы с мюзиклом такого масштаба. И сразу – грандиозный успех. Более восьми месяцев «Ничего не бойся, я с тобой» бьёт все мыслимые театральные рекорды – за такой короткий срок его посмотрело уже почти полмиллиона зрителей! Разумеется, этот успех по праву принадлежит всей команде мюзикла на песни группы «Секрет», однако роль Михаила Миронова в нём огромна, тем более, что он принимал участие в создании спектакля не только как режиссёр, но и как разработчик сюжета и автор пьесы.
Считается, что коммерческий театр, который с конца XX века начал завоёвывать своё место под солнцем в странах бывшего СССР, вытесняя дотируемые государством площадки, значительно отбрасывает сценическое искусство к “к дорежиссёрским временам”. Историк театра Патрис Пави (Франция) в своем «Словаре театра» пишет о том, что сегодня режиссёра как отдельную структурную единицу способен отодвинуть на задний план едва ли не кто угодно: например, актёр “с именем” и толпами фанатов, делающих кассу театра, может поставить свои условия и не подчиняться авторитарным (пусть даже и неоспоримо талантливым) требованиям режиссёра. Художник иногда также часто выступает в роли постановщика, оттеняя режиссёра – поскольку только он знает, как “правильно” вовлечь в придуманное им пространство и труппу, и публик. И, наконец, продюсер способен директивно взять на себя не только репертуарную политику, но и трактовку произведений, а также распределение ролей в кассовых интересах. Всё это неизбежно делает режиссёра фигурой зависимой и где-то даже второстепенной. Однако на этом общем фоне настоящие самородки блестят ярче в миллионы раз, а именно они и остаются в веках и входят в учебники по театральному искусству.
